兰·卫青:艺术对当下的思考和态度

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伊恩·卫青

艺术评论家、馆长、医生、广汇美术馆副馆长

2018年上半年,或从2016年起,策展行业发生了一些值得注意的变化。 首先,展会赞助商的行业结构发生了平静的变化。 例如,“新中国形象”就是“小镇策展人”——远离一线城市核心区域的特色小镇管理者为展览提供资金和场地。 这种形式当然不是一个例子或先例,而是近年来中国当代展览的普遍现象。这与发展特色城镇和文化产业等政府政策有关。其次,在展览策划的内容上,越来越强调艺术与场所、艺术与公众的关系,而不是一味追求新、大、国际化。第三,“网络红秀”在过去两年里明显增多。 这是一个展览,旨在吸引非艺术行业的网民,并直接强调与大众消费的关系。前两个变化属于展览本身的内容,引起的关注较少。 至于“网上红色秀”,大众媒体充满了更多的好奇和讨论。 “网上红色秀”更像是“快乐馆长的实践”。 展览本身更加注重展览的视觉感受、感性体验、身心互动,更加强调“趣味性”。 形式包括沉浸式互动、技术视觉等。面对现实世界,有些人经常用荒谬的现实主义或魔幻现实主义来表达不可思议的现实,无能为力已经成为这个时代最大的感受。

绘画和图像的两种形式是“好吧:虚拟时代的视觉”展览的讨论焦点。 他们有一种边界相似性。 他们不仅一直追求新的概念和主张,而且被新技术深深包围。 他们目前的本性不断受到质疑。我们在这次展览中讨论的所有视觉问题将在未来成为断层型考古符号,并最终消失。就像今天提到的“井”这个词一样,越来越少的人第一眼就能想到老式的井。“#:虚拟时代的视觉”的主题也可以从另一个方向来理解,那就是艺术家面对现在时的思维和态度是什么?每个时代都有自己对“好”的理解。 每个时代的文化都有不同的时代特征,不同的地区有不同的地区特征。 不同年龄的人对他们生活的时代有自己的想法,而思考的表达形成了整个时代的声音。在各个时代,青年永远是最有期望的一代,“这一代”不是指某一代,而是指当前反思的态度和判断。

流亡在图像海洋中的艺术

创意在艺术中的重要性是不言而喻的。 本杰明的“头韵”是艺术不可替代的精髓,每一代艺术家都从历史和独创性开始创作。 这种头韵也是基于艺术作品中对“物”的崇拜。机械复制技术的进步使得艺术作品的视觉形象得到了更广泛的传播。 人们可以通过图片或印刷技术实现对原创作品看不到的艺术作品的视觉阅读。 然而,在互联网上阅读图片、屏幕和便携式终端的普遍存在也使得复制和传播变得更加容易。 然而,这反过来说明了创意的重要性和必要性。

原创之后,交流是我们必须讨论的话题。很长一段时间,教堂、寺庙和雕像是传播和传教的责任。印刷术发明后,印刷技术带来的复制使越来越多的人获得知识和图像传输的结果。 在这个阶段,现有图像的传输处于不利位置,并且各种现有对象的传输需要二次转换,即e. 文本或地图。在以摄影为核心的机械复制时代,这种情况发生了根本性的变化。 摄影可以记录世界存在的图像。摄影的机械复制,加上以前的印刷技术,使读者能够获得关于世界在不同地区、不同时间和不同空间存在的知识。随着时代的发展,媒体仍在不断变化。 机械复制之后,媒体时代就要来临了。 电影、电视、广播等电子媒体已经进入人们的生活,甚至成为生活的必需品。 因此,这种电子媒体促进了娱乐的发展和狂欢。电子媒体占据人们视线近一个世纪后,数字手机应运而生。 虽然当时数字手机的功能仍然局限于移动便利和信息互联,但互联网技术下的计算机时代和手机屏幕时代随之而来。 它完美地结合了移动性、互连性和屏幕。 换句话说,智能手机是手机屏幕、联网电视、手机、图像传输和无处不在的互联网的代表。 更重要的是,它解决了电视、电影等无法实现的随时随地的问题。

传播主体的转变,从寺庙到美术馆再到银幕时代的视觉洪流,艺术从未像今天这样被从图像的海洋中驱逐出去。

至于艺术作品的复制,目前主要有两种形式。 一种是基于非原创作品的“对象”的视觉延伸,如被艺术家认可的印刷品和衍生产品。 这种复制是由艺术家授权的。另一个是流行的模仿和复制。 这种复制注重作品的形象,忽略艺术家的属性,强调作品本身的形象,强调美的传播,弱化甚至忽略艺术家的身份。这些作品以经典形象在公众中广泛传播。 这种传播是基于公众对作品之美的简单认知。 公众通常不在乎谁是图像的原始作者。这给我们带来了选择的问题。 在两者都没有的前提下,是传播艺术家还是艺术作品?罗兰·巴尔特曾提出“作者已死”的说法。 虽然公众没有事先得到艺术家的认可,但公众获得美的知识并不是没有好处的。 这种艺术也是一种传统。换句话说,作者创作艺术作品后,其中的一项解释权被移交给了公众,并随着时代的变迁而常常被无意识地“误读”。

视觉观察一直是艺术史研究的焦点。 随着科学技术的变化,人们的观看方式也在不断变化。 到目前为止,这三种观看方式混合在一起,影响了我们对艺术展览观看的判断。首先是电影观看方式的变化,从无声电影到有声电影,从黑白电影到彩色电影,到今天的3D、4D电影,甚至沉浸式互动。 全方位的观看方式逐渐成为主流,强调观众在观看时获得的体验。第二是观看模式的改变。 当电视屏幕出现时,一个集视觉图像和声音于一体的终端诞生了,这使得流行文化、流行文化和屏幕文化能够覆盖更多的家庭和观众。今天,这个屏幕终端发生了革命性的变化。 便携式移动屏幕终端——手机——已经进入每个人的口袋,可以随时随地连接到互联网上观看。 这一变化也大大缩短了接收信息的时间。每部手机接收的信息内容形成大数据,大量链接消费。第三种观看方式是艺术史观看,这在今天似乎是一种经典的观看方式。 它强调的是对事物的崇拜和光环。 许多现代科学技术手段辅助的知识获取最终指向原始概念。

显然,沉浸式和体验式展览更容易获得观众的喜爱,这也可以从访问数据中找到。 这是指继2D和3D电影视听模式之后基于新技术的全景视图,它与虚拟现实原理(VR principle)相关,不仅仅是观看艺术作品的延伸。沉浸式展览的流行与其稀缺性、体验和互动有很大关系。 它们是银幕时代的真实场景。 观看展览是一种新的颠覆性的方式,让传统的展览风格走下神坛,回归个人体验。从策展的角度来看,它表明各种表现形式已经成为展览展示过程中不可或缺的手段。美术馆作为艺术作品的展示场所,享受着银幕时代感官娱乐的流动红利。 美术馆已经成为在线红色展览的场所和背景,从而成为社交网络上观众的“打卡”圣地。这种现象似乎为长期沉默的博物馆找到了一种新的宣传方式。 所谓基于知识产权的文物、绘画动画、展厅震动声等符合屏幕时代的流行营销方式层出不穷。 有一种很大的趋势是完全放弃原作品的物理性质。 点击率取代了视觉,有助于整个人的感官娱乐。

视觉观看的及时性与国民消费的及时性交叉。 对于那些坚持传统方式观看展览以迎合国民消费的人来说,这种及时性是正确的选择吗?在追求以流为王的指导下,会不会对未来艺术展的流程、质量和作品带来报复性打击?这些都是本次展览必须考虑的问题。艺术博物馆成为一个可以打卡的地方后,还有一个核心问题需要讨论,那就是艺术博物馆如何才能成为一个不可替代的空间?博物馆的交通比商业空间多吗?这是关于冲压和再冲压的连续性。 如果它是一个同质的展览空间,那么这种“打孔”可能是基于一个展览或活动,而不是艺术博物馆本身的魅力。这也是艺术博物馆“打卡”的主动和被动问题。这也是对民族消费和感官娱乐时代艺术展览的深入思考。 同时,也有必要考虑人与作品之间的视觉和感性关系。

国民消费:从艺术市场到整个生态链的艺术市场

从1992年对“艺术走向市场”的呼吁到现在,21世纪的第一个十年已经成为中国艺术市场最黄金的时代。 这个黄金时代的建立伴随着三个因素。 一是20世纪80年代和90年代当代艺术创作的积累。 二是中国加入世贸组织的规则保护和全球资本市场对中国的关注。 第三是2008年奥运会带来的经济投资和全球形象的影响。随着21世纪第二个十年的到来,艺术市场的黄金时代已经走下坡路。 2010年至2015年间,市场上“成功”艺术家的市场价格一直在不断下降。 当代艺术在过去20年创造的市场价值似乎已经被艺术市场的黄金时代抹去,进入了一个价格和营业额稳定的时期。这时,年轻艺术家进入艺术市场的混合器,成为艺术市场的寄托和新星。无论艺术市场如何波动,有多少人欢笑,有多少人担忧,有多少人赞扬和批评艺术市场,不可否认的事实是,艺术市场在艺术接受中起着至关重要的作用,艺术接受的培养为艺术市场消费的转变奠定了基础。

虽然当代艺术市场在下降,但中国私人/私人美术馆的数量却在增加。 私人/私人美术馆的数量正在飙升,尤其是在像上海这样的大城市。在这些美术馆里,外联活动吸引了绝大多数人的注意力。 为此,该行业的重点主要是向公众介绍外联的可能性以及购买此类展览门票的可能性。 上海市民支付这些展览的费用激发了各种艺术机构举办消费类艺术展览的热情。 随着政府政策的实施,包括文化和创意产业、文化和文化产业等的发展,这种情况也加剧了。不难发现,艺术市场进入平坦时代后,整个生态链的艺术市场变得越来越明显,其中最突出的是消费展览和文化创意产业。

所谓的消费展有以下特点:第一,内容混有好人坏人,门票价格太高,大师的名字比作品的质量更受重视,甚至还有一些令人瞠目结舌的操作,比如“莫奈投影展”(Monet Projection Exhibition)。 原创作品是否原创对组织者来说似乎完全不重要。其次,展览地点没有严格的选择。 与选择美术馆或艺术机构作为展览场地的传统做法不同,消费类展览更加注重对展览场地的投资和观众的流动。 消费类展会在展会现场的引入标志着大量资金的一次性流入,这使得这类展会能够从源头上解决展会资金问题。 因此,消费者展览经常出现在房地产销售部门、表演艺术中心、商业中心、商场等。第三个特点是交通拥挤。 在消费者展览的背后,通常有一系列商业营销收入估算。 估计的最终结果是利润。 利润的前提是观众流量。 实际上,在线红色效果经常被使用。在线红色效果是一种流波动效果,它寻求在同一时间和同一地点最大限度地增加展览参观者的数据流。 流动式展览挤压了传统艺术爱好者或艺术专业人士,但最大限度地引起了无关观众的注意。 这种觉醒使得消费类展览像电影一样与观众难以区分。

推广和无传感器展览

视觉产品有三种受众渠道。 一个是基于深厚的文化或政治背景。 例如,像《毛主席去安源》这样的经典作品通过连续印刷被复制到成千上万个家庭,使一个公认的形象成为日常生活。第二,拍卖的高价使得一些艺术品超越了艺术行业的专业水平,并在公共层面上获得了跨国界的关注。第三是在公众中广泛传播的艺术形象。 这类艺术家的原创作品以其独特的审美特征和气质为大众广泛接受奠定了基础,这与古典美学被大众接受的方式有些接近。

张彦远曾在《历代名画志》中描述了绘画的“启迪助人”功能。 美术大众化是20世纪艺术史中的一个重要课题,它是随着美术大众化而产生的。 它是美术教育、美术展览和美术期刊的重要目的,也是实现政治传播目的的政治手段。今天,美术普及仍然是美术机构(博物馆、美术馆、美术馆)、美术教育、美术展览和美术期刊的重要作用。 通过各自的活动,提高公众的美术素养。在博物馆和美术馆的功能中,公共教育是它们最重要的功能之一。 公共教育的目的是促进美术的普及。在艺术展览中,无论是对外展览、收藏展览还是临时展览,都强调展览与公众的关系。长期以来,美术从业者和美术机构一直倡导和引领美术大众化。 在评价这项工作的结果时,由于难以判断大众美术质量的变化,游客的数量通常被用作判断的依据。然而,根据参观者的数量来判断展览是好是坏符合交通展览的需要。 在当前的交通展览中,它分为两大类ries. One category is the exhibition with extremely rare works and high academic content, including outreach and biennale. The other category is consumer-oriented exhibitions, including online red exhibitions, etc.

Different from traditional exhibitions, which first consider the original works and the academic quality of the exhibition, consumption-oriented exhibitions mainly consider the flow rate and national consumption, and the contents of the exhibition are adjusted accordingly.不难看出,观众对沉浸式展览的支持表明了观众在展览系统中的重要性——这种重要性不能简单地概括为游客数量的增加,而是从观众对展览的意识到观众对展览意识的觉醒所面临的挑战。“快餐消费型”的商业展览无疑驱散了美术大众化的趋势,将展览作为视觉消费产品融入到观众的日常生活中,形成了像非感官消费一样的非感官展览,并在网上打卡。作为一名艺术从业者,应该不断地调查观众智力和知识的变化,这有利于在展览策划和展示中采取更加积极的态度。 沉浸式展览能给观众带来快乐后,馆长应该更多地考虑如何让观众在展览中获得新的知识——以应对观众知识的变化。

不断变化的新艺术形式对传统美术馆的影响有限。 在白盒(white box)的概念下,美术馆主要利用空间重构,这不仅是针对科技艺术,也需要对不同的展览进行空间重构。另一方面,当面对新的艺术形式时,艺术画廊有一种信息时代所没有的空间感,而这种空间感在今天的屏幕时代是无法通过终端呈现的。未来,人们将从简单的信息和视觉中获得更加详细和个性化的信息和视觉感受。

从“人”到“非人”:个人主义的建构

集中化是人类发展的一个重要课题。 在现代城市的发展中,广场通常是城市的中心。随着我国超大型购物中心综合体的发展,这类购物中心已经成为城市广场的唯一溶解手段,并且已经成为周边城市化的重要中心。在虚拟时代,类似真实中心的社区也出现在虚拟社会中。 论坛和聊天室可以成为网络社会的第一批社区。与现实中的集权不同,虚拟社会最大限度地弱化了现实背景在虚拟社会中的作用,使在现实社会中找不到存在感的人在虚拟社会中有存在感。魔兽世界是一款大型虚拟社区游戏,其中规则、角色、分工和任务都有明确的规则。虚拟社会更像是一扇“时空之门”,它让真实的人能够变成其他角色,获得现实中难以获得的不同满足感和舒适,成为现实的避难所和诺亚方舟的梦想。

“嗯”是时代视觉变化的象征。 在具体的时代,这个词代表了生活中的一种工具,而泛符号网络解释把这个词看作是一个形状良好的形象。电脑符号已经把“好”变成了#,社交网络也迅速把它与#热门话题#联系起来。 这种变化将继续下去。 一个短暂的视觉瞬间是一个新中心的建立,它连接了观众对整个世界的认知。这一认知过程也是20世纪以来艺术发展和变化的过程。 技术是变革的关键因素之一。 即使是最古老的绘画也经历了这个时代工具技术革新带来的变化,如锡管颜料的出现。 在不断寻求新技术的同时,所有艺术类别也在意识形态层面提出问题,询问艺术的当前意义和价值。例如,# topic #是社交网络中的一种独特风格。 在这一框架下不断提出和讨论新议题和旧议题。 第一个和第二个简单#允许分段信息被快速组装,显示出开放的聚合。无论是开放还是聚集,自我认知和态度都在作品中公开表达。

虚拟时代为个人主义的建构提供了肥沃的土壤,越来越多的人坚持“艺术消失”的概念,相信艺术在当下会发挥越来越小的作用。换句话说,传统产业在虚拟时代面临巨大挑战。 高度融合应逐步走向专业化、地域性和不可获得性,为了生存,应保持敏感性和对时代的适当解释。艺术家的权利,特别是原始版权,也根据不同的受众分为两个层次。 第一个是基于对知识传播的尊重tion, such as publishing, art history, artistic creation and other fields, in which the copyright attribute of artists is inviolable.Secondly, it is based on the uncontrollable visual communication, which mainly focuses on the public's acceptance of beauty. Although the artist's attribute is often neglected in this process, it also objectively plays a role in spreading and popularizing beauty, which is also needed today.

In today's artistic creation, micro-narration, personal interest and sensory entertainment have become three major symptoms. In these three types of artistic creation, context, history, politics and era are no longer the focus of thinking.On the comparison of advantages and disadvantages between "new" and "old", the biggest advantage of new technology art and virtual art lies in the plasticity of form. 传统艺术的优势是人文温度。对于新技术艺术的本体来说,今天很容易陷入或停留在视觉层面。 然而,从视角来看,视觉多样性下也存在思维问题。尤其是在屏幕时代,信息和感官刺激经常源源不断,让人不知所措。就传统艺术而言,它们保留了艺术史语境中作品的崇高感,但在当下的视觉呈现上明显落后于新媒体艺术。

从艺术史的角度看,从古典艺术到现代艺术,我们的视角和思维方式转向“人”,而从传统艺术到新技术艺术或科技艺术,我们从“人”转向“非人”。这背后的逻辑和思想值得关注和讨论。目前,新技术和新艺术还没有对精神层面产生充分的影响。谈到高科技手段,每个时代的艺术家实际上都在理解和努力应用那个时代的高科技。 例如,我们会发现油画历史上的每一个重大变化都与当时化学材料的新发现和观察方法的创新有关。这些变化一直累积到今天,并不是“表面”的变化。 取而代之的是,它们被从过去移除,代代相传。 他们已经从“革命”变成了“传统”。 艺术本身给人类带来的精神享受和灵感是不变的。从这个角度来看,新技术艺术并不是一个前所未有的全新概念,但是今天我们更注重新技术艺术所采用的手段,而不是作品的精神层面,这只能说明新技术艺术作品太少,科技手段不够普遍,公众的科学进步意识还没有跟上这个时代的水平。当科学技术不再是一种噱头时,大多数人真的可以沉下心来,在他们的作品中再次得到感动和启迪。新媒体方向的艺术家在展望和追求前沿和未来,而传统艺术家在追求经典。艺术源于生活,科学技术的进步构成了当代艺术家的生活。

信息、互联网、大数据时代和人工智能影响着全人类。 艺术只是人类历史进程的一个方面。 我们无法预测这一点,但我们只能想象——我想象未来人工智能可以取代艺术家,但也许艺术家会找到另一种超越人工智能的形式。在这个虚拟时代,我希望我能回到艺术创作的“中心主义”。 当面对众多复杂的技术时,这样的创作坚信还有另一种技术手段可以用于艺术创作。

嗯:虚拟时代的视觉

#:虚拟时代的视觉

2018年第九届新星艺术奖在100位艺术家联合展中落幕

2018年第九届新星艺术奖入围艺术家团体展

2018年第九届新星艺术颁奖典礼

第九届新星艺术颁奖典礼

中国? 南京

中国? 南京

学术总监:鲁鹏

导演:刘鹏

年度馆长:兰·卫青

馆长:兰·卫青

陪审团:胡斌/兰卫青/李国华/廖辽/宋镇西/王陈春/郑文

陪审团:胡斌/兰卫青/李国华/廖辽/宋镇西/王陈春/文珍

最终选择时间:2018年。12.三十

时间:2018年。12.三十一岁

开幕式:2018年仪式:2018年。12.三十一岁

延期期限:2018年。12.31-2019年。1.十三

地址:江苏大剧院江苏演艺中心

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